最新设计素描课堂笔记（精选13篇）

设计素描课堂笔记篇一

在传统素描的基础上，培养用创造性、发散性思维的方式，利用各种材质，不同手段，以素描的艺术形式，表现具有独立审美意识的客观现象（物象）。

超越、突破传统的创造意识和发散性思维。

如何使用新的材料、新的手法，联系设计性，实现新的素描形式的表达。

深刻理解，学会感受生活。欣赏优秀作品，理论联系实际，写生联系创作。

6╳10

第一周创意设计素描的认识欣赏

创意设计素描区别于传统意义的素描学习，不以写实再现为最终目的。写实再现式现代素描以锻练画者的观察能力为主，要求正确观察，忠实再现，讲究严格的形体、结构空间的表达和熟悉的素描技巧。创意素描突出发散性思维意识，强调主观设计性利用素描手段表现独立于主体之外的审美意识，将装饰图案、设计、素描、新材料等因素妇；叠加处理，形成新式的一种素描样式。不论是传统素描还是设计素描，其共同的前提是从生活中获取自己更独特的感受，用情感将感受包装和美化，利用传统的绘画手段，表达现代社会的发展特征。

欣赏图片：表现主义、现代主义、新素描

学习过程：

一、静物写生准备

二、画具的准备、绘画材料的尝试

不同材质绘画媒介的'使用

写生静物安排：《酒瓶系列》无背景、不同形状、质感的酒瓶。

要求：不使常规传统的素描工具铅笔，扩媒材使用范围，不单一表现空间为目的，突出创意设计性，为日后几周写生做一个抛砖引玉的工作。

三、再现客观真实到再现心理真实的认识。利用自然物象的真实细节，表达自己主观思想意识，首先是真实的描绘。但在真实的背后，有着更丰富、更有哲理、更耐人寻味的思想感情。在这个过程中要突破和重建真实的真实。

四、绘画方法和表现形式的大胆尝试。艺术要善于把特定物质材料变成艺术形象。凡是真正的创造，都应该具有独创性。工欲善其事，必先利共器。把材料与要表现的内容联系起来，尝试多种素描材料并置。

第二周创意设计素描静物写生

“不同形状物体的组合”

注意：高低、大小、粗细的变化

方法：利用拉长变形、水墨灰条等材料的特性，打破传统的写实方向，突出趣味性、个性等独特韵味和表现。

参考：莫兰迪静物、塞尚静物、夏俊娜等等。

第三周创意设计静物素描

“生活用品的组合”

提示：柔轻、厚重、华丽、俭冼。抓住客体背后的感情表达，比如：病态――如何表现，消极、郁忧、歪歪扭扭、面黄肌瘦，凡是可以和病态相联系的所有词汇可以表现的意识。比如：蒙克（表现主义画家）珂勒惠支、凡高。

第四周写生用品的组合

介绍：法国后印象派画家保罗塞尚。努力寻求物体的体积感和坚实感，并着意强化画面自身结构，以达到揭示物质本质的视觉效果。一幅画的主要特质不是透视而是结构形式，感受自然时深刻比平面更为重要，成为后来立体主义画家解构形体的理论基础。

为强调立体和空间，在达到更加理想的画面效果，往往有意改变自然对象实际的空间效果。

凡高的画风曾受到日本浮世绘版画的影响和启发，强烈肯定。简陋的陈旧，质朴的人物，略显夸张的表现手法，遒劲起伏的形体变化，可以感受到他那强烈的个性和独特的风格倾向。画家后期作品受到精神变化的影响。作品中扭曲的线条、茫然的神情，折射出画家对生命的热爱与眷念。

创意设计素描对我们的提示：真诚、敏锐的感受，机智、热情的表现。（生活感受的重要性）

（生活用品的组合写生包括废弃的无用的等等）

第五周材质多样化表现设计性

写生联系创作

“干花系列”

要求：

1、写实方向（超级）

2、写意方向

3、表现方向

4、抽象方向

5、立体主义方向

6、材料试验方向

7、综合性考虑近现代绘画理念的借鉴使用，突出新意，不要求完整、完美性。

第六周问题情况总结

一、关于表现

创意素描要求：在思维层面上摆脱传统素描对其训练思维的束缚，打开学生的眼界，激活学生的热情，灵活学生思路。具体表现方法可用两种：

1、内向要在素描本身的表现形式和自律性上做文章，广开新的思维形式和新的表现形式，从被动的、冷漠的、机械的再现物和变为彻底实现情感的、激情创造新的物象。主动地运用新的艺术形式去表现物象。

2、向外就是扩大素描表现的选取对象，从多元化、多方法去发展，发现更多新的表现形象和视域。

二、关于媒材的运用

只要能表现出好的素描形式，什么材料都可以使用。

三、关于内容与形式的关系

既统一又是对立的“质胜文则野，文胜质则史，文质彬彬，然后君子”

四、关于形式美的因素以：

1、点线面的因素

点是一个宇宙，线是道路，面是意义。

3、道具选材的因素

五、关于创意静物素描的人文性、思想性

素描的独特性不是产生于准确的模仿自然中发现的形式，也不在于耐心地堆砌敏锐察觉的琐碎事物，而主要产生于画家对他选择的客体所抱的深厚感情，从而使素描从表现外表到表现内在，从表现物质转到了表现精神。

一个画家一应只画眼前看到的东西，而应画他心中看到的东西。如果他心中什么也没有看到，那应该放弃他眼前要画的东西。

六、用真实的表现手法赋予抽象物体以新的内涵，使没有生命的物体变成有思想、有艺术生命的物象，这时艺术形象才获得了确定性和明确性。从物体到物象的表现过程是从传统到不断创造加工使之成为新具象艺术的过程。

七、在欧州艺术家几乎用遍了当今一切可以用做素描的材料工具。诸如：复印机、电脑、摄像机、物理与化学材料以及拓印、影印等。许多优秀的素描作品不是来自于画室，而是来自于科学实验室。就绘画而言，今天的素描艺术已是一个广义词，与人们传统习惯上的有相当差异，艺术也需要实验。

欣赏：画家莫兰迪作品、毕加索、塞尚、保罗克利。

设计素描课堂笔记篇二

素描是一切造型艺术的基础，在造型活动中起着不可取代的重要作用。下面小编为大家搜索整理了关于设计素描在动画设计中的应用，欢迎参考阅读，希望对大家有所帮助!想了解更多相关信息请持续关注我们应届毕业生培训网!

中国作为一个大国，历史悠久，有着深厚的文化底蕴，丰富的艺术文化。传统文化在不同的领域会得到了不同程度的应用。在社会市场经济背景下，动画产业有着乐观的发展前景，美术文化与动画艺术创造的融合已是现在动画事业发展的迫切需求，两者融合为一体，是动画设计的形象更加生动化、可塑性更强。

随着艺术的发展，素描也在变化着。素描是属于有一定的功能、含义的艺术范畴，再造型活动中不可替代，是造型艺术设计的基础。然而，和传统的美术素描相比较，设计素描研究的主要是客观现象的外观形式、内在构成关系两者的整合感，基于模仿而又不局限于模仿，提高认识主动性与创造性，超越了模仿，将视觉造型语言和专业设计以及艺术表现形式有机地结合起来，体现了艺术美，达成了技术与艺术、科学与美学的整体统一。动画，是赋予动画工艺运动形态的一种造型技术，非生命物质进而被赋予了生命，是一种将物质生命化、形象化的艺术的表现形式。素描、动画都与真人电影不同，真人电影大都反映的是现实的世界，而素描、动画基本是设计者根据客观现象的基本原理进而设计、制作的一种形象。动画可以说是对现实的世界进行再设计、再创作，其中，绘素描的技术在动画得到直接的体现，因此设计素描成了动画设计的重要部分。

动画设计，依据运动学的原理，主要是对场景以及人物造型进行设计，使这些设计对象可以连贯地在二维、多维维空间内进行运动。对于一个动画设计者来说，主动性的创造很重要，需要设计一个吸引眼球的故事情节，还要塑造鲜活的人物形象从而使其在故事情节中画龙点睛。因此，在动画作品中，所有人物及场景都是需要动画设计师根据自己的想象力设计故事情节、创造虚拟的人物形象及场景。显而易见，动画设计的技巧直接关系到动画作品中人物形象的塑造以及场景的设立能否个性化、鲜明化，同时新颖、出色的动画设计亦是动画作品的价值所在。

现阶段，我国动画设计产品的数量、质量都与韩国、欧美等国家存在较大差距。但是，早在1935年第一部有声动画《骆驼献舞》一举成名，由万籁鸣等人制作，得到了动画界的一致好评。在建国初期，动画设计已经有了辉煌的成就。《铁扇公主》，1941年由万籁鸣等人设计制作的首部大型动画片，1947年的首部木偶动画《皇帝梦》，1955年的首部彩色动画《乌鸦为什么是黑的》，该片获得了威尼斯国际儿童电影节奖，自此标志着我国的动画电影开始走向辉煌。从6o年代开始到80年代，我国的动画作品种类不同，而且传统美术色彩在艺术表现力以及造型设计等方面得到了明显的体现。

设计素描继承了传统的素描美术，在此基础上加以创新与改造，通过笔对客观形象的勾勒，传递出物象鲜活的生命力，在审美上给人以视觉的享受。艺术家在素描设计的过程里，处处表现出形式美，不拘泥于物象表面的相似，而是追求具有神韵、具有主观情感的物象的塑造，将物象的神情、自身特征的部分生动的勾勒出来，使之具有艺术美。

素描是比较简洁的一种绘画的方式，以流畅均匀的线条勾画为主。用线条表现艺术，这个运用在中国起源较早，绘画中对线条的勾勒要基于设计者的主观感受，考虑物象的体积、方向、空间，将这些因素表现出来的同时还需要表达绘画的速度及力量，这也是线条发挥作用的'灵魂所在。但是，线条制约着物象的外沿轮廓，每个物象都有独特的外表形状，素描是通过线条组合呈现出一个生动的物象形象，比较重视线条表现的张力的线条的概括力，传达着艺术信息，艺术的一种重要语言。灵动的素面设计，是设计师对客观形象独特构思设计意境的体现，也是设计师感情的的凝结，将抽象的形象赋予线条感，这样作品会显得更具有民族文化内涵和艺术魅力。

动画是一种综合艺，集绘画、电影、音乐、建筑、戏剧等为一体。其中，绘画对动画的影响是重要的、深远的，动画中生动的人物角色、感人的故事情节往往是观众所关注的，也是容易吸引眼球的一面。令人过目不忘的人物形象是优秀的动画片中的关键要素，像米老鼠、花木兰、唐老鸭等卡通形象，再比如《千与千寻》中的千寻、锅炉爷爷、汤婆婆一系列优秀的卡通动画形象，给动画产业带来了深远的影响，也给人们带来了视觉上的享受。可见，一部成功的动画片和动画形象的造型是分不开的。而设计素描是要动画形象造型设计的基础技术。

动画设计亦是在造型艺术的范畴内，动画的人物、场景、道具的设计都要求有较强造型能力和新颖的创造力。大众对动画形象普遍停留在夸张、怪异的特点上，认为虚拟存在的动画形象与现实生活中真实存在的事物有很大差别。但是，艺术来源于生活，发展于生活，又高于生活。动画人物形象有不同的风格，有写实风格及相对夸张、抽象、趣味风格的卡通形象。这些形象也是艺术形象，有着合理的比例、严格的结构概念与关系，动画形象的设计来源于生活中真实的形象，将其作为夸张的基础，是对现实事物高度概括、进行提炼、进而将其夸张化、变形至趣味化，如锅炉爷爷形象，虽然有些夸张化，其外形有很长的胳膊，负责着不同任务的手，是由生活人物基本结构特征变形而塑造的个性形象。

如果我们可以把所观察到的现实中真实存在客观形象假设成生命体，有意识地主动从不同角度审视物象的客观的内在联系，一定会发现原型中不同的潜在的的抽象形式。进而通过演绎物象的形、对其加以分解、组合进而变换设计，抽象的、新颖的动画模型就会形成。

综上所述，动画设计在建立现实的基础上，其设计灵感来源于现实中存在的客观形象，若艺术的形式脱离现实世界这个基础，所有的艺术作品都会无法独立生存，显得苍白无力。设计素描作为动画设计的一项基础技术，设计素描可以有效地培养动画设计者的想象力、创作力。，而创造思维是素描设计以及动画设计的推动力。设计素描借助创造性思维，结合视觉感受，融入情感，创造性思维加以升华，设计素描的精髓在动画设计创意的表现中完全得到体现。而一名优秀的动画设计师，首先要掌握的动画设计的精髓-设计素描，通过设计素描培养视觉观察力，增强视觉敏锐度，增强视觉接受信息的能力，通过事物表面去探究事物本质，促成创造性思维的习惯的形成，最后创作基于现实而超越于生活的灵活的动画形象，造就更优秀的动画设计作品，才能引人注目，实现可观的经济效益，产生积极的社会效应。

设计素描课堂笔记篇三

通过线造型素描的学习，使学生初步掌握运用结构线表现物体之间的比例、轮廓、体积、对比、远近、方法和透视等的作画方法，培养学生对形体结构的理解能力，发展窨造型想象力。

重点：讲解线造型的功能和线造型素描的步骤。说明物象形态内部的构造特点决定了处部形态的面的性质。

难点：运用结构线刻画物体内部和外观的组合关系，直至结构本身。

教具、学具准备

教具：

1、线徒刑的素描作品数幅，明暗素描作品数幅；

2、立方体和圆柱体框架模型一个；

学具：软芯铅笔、橡皮、课本、作业本。

第一课时

（1）组织教学检查学生课堂常规及学习用具的准备。

（2）导入新课线造型素描作品数幅和明暗素描作品数幅，

（3）给学生欣赏、鉴别、然后讲解。

设问：线造型的素描和明暗素描有相同点和不同点

（4）讲授新课

1、线造型素描的特点及线的造型功能。

线造型的素描图是通过线结构的运用，直接体现和暗示物体的体积、远近、方位和对比等牲，表现出物体内外部组合关系及前后左右的空间状态。

线造型素描剔除或减弱明暗色调层次，强调物体本质的实在的形体结构，所以表现物象的效果明确、肯定、清晰和刚劲有力。

线徒刑素描是以线徒刑的方式研究自然的造化和物象的结构，线的造型功能可以概括为以下几点：

（1）表现物象的外形轮廓，

（2）勾画形体的边界。

（3）表现物象的内外结构、空间位置、透视变化及物与物之间的组合关系。

（4）表现物象的虚实关系、明暗关系及体积感。

（5）表现物象的势、力、节奏、韵律感，

（6）抒写人的情趣，

（7）气质。

线造型素描不但可以在美术专业方面方为一种艺术表现形式，而且以图解形式适用于理工科专业中，作为工程技术人员的一种徒刑技能服务于设计，在建筑、园林、工业设计等图纸绘制上，结构线的徒刑已成为工程技术人员的一种设计手段，广泛适用到现代建设的各个产生领域中。

1、立方体与圆柱体

（1）立方体（对照立方体框架模型分析）

立方体是一切形体的基础，它的结构是由大小相同的六个正方形平面，按照垂直关系而构成的。

圆柱体是以长方形的长边为轴，旋转360。而构成。也可以说是由无数个相同的圆面叠杨（如硬钱币叠成一圆柱体）

教材p14上图，立方体与圆柱体结合图形是说明立方体内可以产生一个圆柱体，圆柱体在立方体内的构成是以一个正方体的二分之一边为轴，以立方体一个面的中心点为圆心，旋转306而成。圆柱体的立体感可通过顶底面的透视圆面体现。

（6）作业要求

1、临摹p14立方体和圆柱体范画。

2、用3b、和6b铅笔作画，

3、要求表现物象透视准确，

4、结构清晰。

（7）课堂小结：

选出一部分作业讲评，指出优缺点，布置下节课的学具准备。

（1）教具和学具准备：

教具：

1、立方体的切挖模型；

2、用泡沫塑料做两个相等的长方体模型，把它们拼在一起是一个立方体；

3、大幅基本形体切诠彝迹？能进行切挖的软性固体材料。

学具：萝卜、柑桔、苹果、肥皂、泥巴等软性材料；

2、小刀、铅笔、橡皮、课本、作业本。

（3）组织教学：

（4）复

（5）习旧课，

（6）导入新课

（7）讲授新课

板书：基本形体的切挖：

1、立方体的切割与组合：

课本p14下图说明从立方体中间切开成为两个长方体，然后将这两个长方体可以拼叠成各种造型（用二个长方体拼叠演示）

切去立方体的八分之一，首先找出立方体三个相邻的面的面中心点，并把每个面分成四等分。然后将三个相邻的四分之一等分垂直切去。

用泡沫块做一个立方体，切去八分之一，被切去部分仍可嵌入原处，以便演示，并用红色在立方体相邻的三个面上画出垂直水平线，切去后的截面用三种色区别，（自制模型进行演示）

2、圆柱体、球体、锥体的切挖：

用较规范的萝卜、桔子或苹果及橡皮泥等到物，在课堂进行切挖示范，揭示圆信体、球体、锥体被切去一部分后的结构变化，并挂出以线徒刑的切挖结构图。

（8）作业要求

作业一：临摹p/15四种基本形体切挖图。

作业二：可任选一种基本形体作切挖练习，如立方体可用肥皂块、泡沫块等；圆柱体可用萝卜等；球体可用柑桔、苹果等。将切挖后的伤口放在课桌上进行写生。

要求运用虚实、轻重不同的线条描绘声绘出对象的内部与外观铁组合关系。

课堂小结

对切挖练习及以线造型写生较好的作业进行表扬，指出普遍存在的问题，布置下堂课的准备工作。

（1）教具和学具准备：

教具：大幅《口杯与肥皂盒》步骤然图范画一张。口杯与肥皂盒三组静物。

学具：4b或6b铅笔、橡皮、课本、作业本。

（3）组织教学：检查学生课堂常规及学习用具。

（4）复

（5）习旧课，

（6）导入新课：

通过前二节课的学习，我们可以获得以下两点认识：

（1）物体的外观形态特点，都取决于它的构造特点。

（2）任何物体的外形都是由不同的面构成，面归纳起来有三种形式：即有方向不同的面（包括正、侧、水平、垂直、倾叙的面等），有性质不同的面貌一新（包括平面、曲面等），有大小不同的面，这些面按照物体的结构形式、组织、联结起来，构成物体的外部形态。

物体的外观形态只有借助于光的作用才能显示出来，然而，线造型的素描特点不是借助光的作用所产生的明暗形态来刻画物体的结构体积，而是用结构线来表现物体的内部与外观的组合关系，直至结构本身，所以，了解物象形态的构造形态的构造特点和外部形态的面的性质，是画好线造型素描的关键。

（7）讲授新课

板书：口杯与肥皂盒

线造型的素描步骤（结合课本p16“口杯与肥皂盒“进行讲解）：

（1）面对写生的物体，采用剔除或减弱明暗光影的方法，从整体出发，观察和找准物体的基本形，用线和点标出，并注意画面构图。

（2）用辅助线画出物体的大体轮廓，形体结构，透视变化及物与物之间的组合空间位置。

（3）用线准确地刻画出物体的内外部结构关系、透视关系、体积感及物与物之间的组合空间关系。

（4）调整修改，使画面效果完整。

3、透视法则的运用（结合范画讲解）

平等透视法则，成角透视法则和圆形透视法则应结合步骤图渗透讲解，不宜过多涉及透视知识。

5、作业要求

要课作业可安排写生“口标与肥皂盒“，也可临摹课本16的范画。用软芯铅笔作画（4b或6b），作业要求轮廓比例基本准确，构图适当，透视准确，并能初步运用不同线条表现出物体的内外组合关系和窨立方体形态。

第五课线造型的素描（3课时）

设计素描课堂笔记篇四

1、培养热爱素描艺术的情感。

2、了解素描基本知识。

教学重点及难点：

1、素描的基本知识。

2、研究表现手法，找出与其它绘画的区别。

电教、教具、学具准备：投影、素描例作。

一、揭示课题：素描欣赏

二、素描基本知识讲解

1、什么是素描？

从绘画的表现形式来说，素描就是单色画。我们用毛笔、铅笔、钢笔、木炭条等工具画出来的黑白画，都可以叫素描。

2、素描训练的作用

素描的表现力很强，常用来作为基础训练的手段。

（1）素描主要培养学画者的观察力。

素描的观察方法是全面研究对象的各种复杂关系的基础。即研究三方面关系。研究对象内部内构造与外部形体的相互关系；研究对象的整体与局部的关系；研究对象的本身与周围空间环境的关系。

（2）学会表现方法

表现方法在给画中是一个广泛的问题。在素描中，学会怎样在观察的基础上，表现出立体感、空间感，怎样用色调来塑造大的形体。

三、欣赏例图

（1）欣赏《神话传说》毕加索《白杨道》凡高

《血衣》王式廓《妻子和我》伦勃朗

（2）思考，小组讨论

（3）学生阐述,研究例图的表现方法

四、用铅笔、炭笔或钢笔等工具临摹自己喜欢的作品，并试着用学来的方法绘画。

设计素描课堂笔记篇五

本点放在表面刻画教学中进行。物体所具有的材质和肌理美也是一种要素，特别是在动画角色和场景的设计领域的材料肌理质感的形成，更是渗透着现代科技的特点和人们对视觉艺术的追求。三维动画中场景材质贴图的给予是场景白模型制作完成后的进一步工作，材质贴图，使模型具备物体应有的质感，体现在物体的颜色、透明度、反光度、反光强度、自发光及粗糙程度等特性上，无论是写实的风格还是卡通变形的风格，都需要涉及。研究物体不同纹理对人类视觉造成的不同影响，目的在于围绕纹理组织的视觉特质，启发学生从自然中发现物体的质感特质和肌理的表情特征，体验材料质感视觉与触觉心理的审美体验，从而为今后的动画美术设计课制作特别是角色人物的设计打下良好的基础。

“两物间的转换与分割”。此抽取训练点放在两种不同的材料绘画教学中进行。它涉及“概念转换”、“材质衔接”、“虚拟现实”、“意识流联想”等手法，在观察、分析、研究客观物体形式特征的同时，由想象发出，将两种以上的物体结合于一个整体的意象，从而达到培养学生的创造意象图式能力的目的。同时要讲究画面的黑白构成，节奏和韵律，整体和谐与统一的运用，对物体装换处理、概括、归纳、提炼或添加、淡化。要求学生灵活运用基本概念知识，讲究秩序化的承接，同时又能整体考虑明度色阶、层次的运用及黑、白、灰关系的协调。抽取训练点四：“时间空间训练”。手法综合创意，联想与创意性素描是在把握物体的内外基本形式特征基础上，培养学生的想象与创意表现能力。美国著名的美术教育家罗思菲德说：“在艺术教育中，艺术只是一种达到目标的方法，而不是一个目标。”前多元化的全球动画竞争中，在教学中引领学生掌握基础知识启迪创造力，如何在很好继承传统的同时又有原创精神，从专业基础课的被动性学习转化为引导性的自主学习，这些都是当前动画基础教学中面临的主要问题。鼓励学生综合运用好素描，拓展创作语言，充分使用好语言表现不同，展示新的观察方式；其次，在教学中导入解构、重构、形象联想等一系列练习，引导他们对自然物的图像素材进行分解、拆卸、重装；应用各种方法重新组合画面造型和构成，以获得崭新的形态，使学生具备独立思考，捕捉创意的能力，为日后的动画创作打下良好基础。

结构素描-速写短期作业。短期训练首先是抽取感兴趣的结构特征部分。在写生研究阶段，注重多角度的观察与研究。对形体进行反复的、多角度的、多方位的、多层次的、分析性的描绘，以便形成对形体明晰的概念，发掘对象内在的规律，更准确肯定地体现外部形态，进行剖析描绘，既描绘看得见的，也要通过想象和理解去画看不见的部分；其次，进入创造阶段。通过对写生物的研究、分析、了解，通过对原始物的剖析和拆解，找自己感兴趣的结构特征部分，加以抽取、融合、运用到设计新生物上来。新生物小作业的设置由老师精心设置，新生物与原物可以是同类物，也可以适当的夸张。这是在保持总体具象角度范围绘画的前提下。要求学生多设计、构思草图，注重中间过程的`演绎，并与其他同学和老师反复交流探讨。新生物的表现仍采用结构素描的形式，要求结构清晰、透视合理，有比例美、形态美。通过此抽取训练点的训练，积极开发学生的创造性思维，由此展开人物速写，默写，人物角色创新性草图绘画，自行车等景物速写和默写及创新性绘画这一流程的练习。有出处，避免学生凭空臆造和无所适从，使学生知道结构研究与训练的意义，也体会到“艺术设计来源于生活，又高于生活”。

表面刻画练习。在素描慢写的练习当中，要求学生把观察推理到的物体结构、素描规律、光影变化与氛围特写结合起来，着重强调对物体动势形态、体积感、空间感、质感的刻画。训练的侧重点为传统素描练习，着重理性素描练习，能运用绘画材料来表现对象，为动画艺术创作打下坚实的造型基础。在理性绘画的基础上，能够逼真重现物体的质感，将视线引向对材料的关注，完成从发现中进行新的创造的过程。即把肌理质感作为一种语言要素，并通过主动的肌理质感发挥它主要的力量，不断挖掘潜在的感染力，使用材料的过程也是重新创造物体素描的过程。在肌理质感的转换和对比中产生强大、新颖的感染力，使肌理质感的刻画避免以往的对物体肌理质感机械简单式、无创造性的描绘，从而达到激发学生的想象能力的目的。

写实与分割练习。具体到这一训练时，应考虑画面构成的重要性，在画面中，构图在画面美感上占有的比重相当的大。点，线，形，点线形分割，衔接，层次，对比，节奏中心整体旋律，均衡，边角等分开进行分析和练习。无论是柔性分割还是刚性分割，是动态分割还是静态分割，是否即与画面意象相统一；再次，考虑对绘画物体的理解上分割，提取兴趣的元素部分、显著特征元素部分进行打散重组，并注重产生的新图的感悟与体会，避免简单，无目的性的训练。练习的同时放置两种不同材质，但可有相似形状的物体——绳子和铁索，渔网和鱼，人物和核桃等等两种材质的物体需要有机的结合方可放置在一张画面当中。

注重默写和构图的创造能力的训练。借助电脑软件绘制完成的场景设计，目前常用的软件是photoshop、paiter，这种类型的场景设计绘画性较强；二是通过电脑合成照片，以及通过三维软件创作场景中所需要的模型，需要同学们学会使用素材，在第一时间将他们从脑海中提取出来，通过解构所发现物体的新形态，结合线性的分割，用立体具象形描绘手法，达到新，奇的立体形象在二维平面上的展现。值得注意的是，当物体被剖解、拆解时，物体在分割交集的若干块小的平面中，敏锐的视觉提炼需要第一时间做出反应将突现的具象内容重建。随机应变，灵活地处理不同的形状，丰富画面结构和形象结构，在依托物体作主观分析与描绘的过程中，让思维扩散，进一步发挥创造能力。要求学生具有形方面的丰富联想，对一张实物拍摄的人物肖像，进行原型演绎，变形——拉伸——压缩——扭曲夸张变形——拉伸——压缩——扭曲，嫁接。

几个抽取训练点是在设计素描教学中为培养学生的创新意识所搭建的众多平台中的一个，旨在使学生通过抽取训练点训练达到开发自己的创造性思维能力；同时，上述几个抽取训练点的实施，应是基于动画教学的观念，在练习中体会创造的力量，避免教学中学生被动地学、机械地学、枯燥无味地学、毫无参与意识地学。只有这样，动画专业的设计素描教学，才能让学生感觉动画设计的产生，并深刻体会设计素描的训练是“为了动画设计的造型训练”。

设计素描课堂笔记篇六

交响素描《大海》是德彪西创作的一部音乐画卷，它由三幅交响素描组成。三首素描有机地联系在一起，生动地描绘了充满阳光的海面上变化无常的景象，描绘了海的气氛和海的性格。它们既像是一部由三个乐章组成的交响曲，又好像是一首庞大的交响诗。本课欣赏的是《大海》的第二首《海浪的嬉戏》。

《海浪的嬉戏》描绘的是浪花在欢快地嬉戏。如果把德彪西的三幅素描看做一部篇幅不太大的交响曲的话，那么这第二幅便是其中的一个辉煌的谈谐曲乐章。海有万千变化，有时安静沉着，有时又令人感到困惑。而这第二幅，作者集中描绘的却是它的自我欢娱――浪的游戏。在无数轻快典雅的乐句中，在色彩斑润的和声对置下，汹涌的波涛和腾越的浪花，以及后浪推前浪的不停顿冲击，成为乐曲的中心。轻快的舞蹈性旋律与节奏及其恢谐性的笔法，构筑成这一印象主义的音乐画卷。

通过欣赏《大海》，使学生初步了解西方近代音乐的风格特点。

赏析《大海》，感受、体验其音乐风格。

领会和理解印象主义音乐的风格特点

录音机、录像机、电视、投影仪、磁带等

1课时

一、导入新课

(一)交流本课预习

“关于海的文学描述

(二)讲明本课学习内容

1.了解印象派的音乐风格；

2.欣赏交响素描《大海》第二首《海浪的嬉戏》。

二、欣赏乐曲

(一)展示思考题：这部作品与以往欣赏过的作品有不同吗：你能说出有哪些不同？

(二)学生初听《海浪的嬉戏》。

(三)老师引导学生回答思考题

三、向学生展示法国绘画大师莫奈的风景画《印象：日出》

1.学生讲述对画的理解

2.老师讲述：

十九世纪六七十年代.在法国兴起了一个画派。他们把颜色彻底分离.用颜色的冷暖来交织画面，是一种艺术的革命。他们采取交阳光下直接作画的方法，主张捕捉自然界的瞬间印象.实际上就是冲淡理性的东西，追求瞬间的感觉。

《印象：日出》真实地描绘了法国海港城市早晨日出时的光与色给予画家的视觉印象，突破了传统画法的束缚，被称为印象主义绘画。

四、简介印象主义音乐：

(一)设疑：你了解印象主义音乐吗？

(二)学生交流和讨论。

(三)教师归纳：

印象主义音乐产生于十九世纪末，它是受象征主义文学和印象主义绘画影响而出现的音乐流派。它力求改变浪漫主义的主观情感表现，采用印象主义的创作手法，渲染神秘朦胧，若隐若现，虚无缘渺的气氛和色彩，主张捕捉自然界的瞬间印象。

五、赏析《海浪的嬉戏》片断：

（一）谱例1

(二)展示思考题：

1.这个片断是由什么乐器演奏的？

2.这个片断描绘了大海怎样的景象？

(三)教师归纳：这首乐曲几乎都是由这样短小的动机，和不大有规律的节奏型组成的。这些旋律片断生动而迷人地表现出海浪的泡沫和水珠，以及阳光在起伏的海面上映出的闪光。

这个片断是由长笛、单簧管及小提琴演奏的：

(四)作者简介：

德彪西是十九世纪末，二十世纪初法国杰出的作曲家、钢琴家、指挥家和音乐评论家，印象主义音乐的创始人。

他著名的作品有管弦乐《牧神的午后前奏曲。钢琴曲《月光》，以及《云》、《节日》、《大海》等作品。

罗曼？罗兰对德彪西是这样描绘的：“这是一“伟大的梦境画家。”

六、聆听《海与辛马德的船》片断(里姆斯基-科萨科夫曲)

(一)展示思考题：

1.听后产生了怎样的联想？

2.你能哼唱主题旋律吗？能辨别音色吗？

3.里姆斯基-科萨科夫是哪一个音乐流派的代表？（民族乐派）

谱例2

1.学生简单讨论考题并回答。

2.教师小结

在舍赫拉查达主题结束后，一望无际波光闪烁的大海主题出现了，接着长笛吹出了辛马的主题。它是那样地从容不迫，使人联想起辛马德的小船在平静的大海中缓缓行驶的情景。另一段主题描绘了大海的不平静，渐渐地风刮起来了，水面激荡起来了，暴风雨来临了，大海在怒吼。

七、复听《海浪的嬉戏》

(一)思考题：

1.德彪西对海的描述与里姆斯基-科萨科夫对海的描述有什么不同？

2.展开丰富的联想和想象，记下自己瞬间的感觉。

(二)简单讨论分析作品，让学生辨别音色。

乐曲开始在引子中可以听到长笛和单簧管的对话，然后是英国管和双簧管。这时它的主旋律好像也在弦乐器的颤奏中发展着。

乐曲几乎都是由这样短小的动机和不大有规律的节奏型组成的，不太容易哼唱。

谱例4

这一段主题稍经反复，在木管乐器上列闪烁的伴奏音型，乐曲中段的新主题便表情地奏出：

这是由长笛、双簧管、英国管和单簧管同时演奏着的一个对题，它构成一个增二度的复调，第二主题逐渐成为乐章的主体。

(三)根据讨论分析归纳：

1.旋律方面：不易歌唱，瞬息万变，轮廓朦胧模糊，但有踪迹可寻。而在其他音乐流派中，特别是民族乐派的旋律，尤其易于歌唱。

2.节奏上不强调节拍重音。在作品中，音乐小心地柔和流动地遮掩了节奏的律动，从一个小节滑向下一个小节。

3.和声方面：追求模糊的混合色彩，具有捉摸不定闪烁的图画性质。德彪西强调音程八、五度的平行进行，而这样的平行运动在古典时期是禁用的，他多用其他乐派认为不协和的和声，如二度进行及九和弦等：这样就使他的作品出现了奇妙的色彩。

4.调式方面：由于更多地运用上述手法，使得印象派的音乐既不在大调上也不在小调上，而在二者之间摇摆，在各种调的边缘徘徊，创造出难以捉摸的效果，就像是印象派绘画中朦胧的轮廓。

5.在曲式结构上：倾向于小型作品，用简单灵活的形式代替奏鸣曲式结构。

八、再听《海浪的嬉戏》：(一)要求学生边听边把自己想到的内容用文字或绘画的方式表现出来。(二)展示学生的文字描述或绘画。

九、总结(用德彪西的一段话)我非常热爱音乐。正因为我热爱音乐，我试图让它脱离使它受到抑制的贫乏的传统。音乐是热情洋溢的自由艺术，是室外的艺术，像自然那样无边无际，像风，像天空，像海洋。绝不能把音乐关在屋子里，成为学院派的艺术。

总之，印象主义的音乐就是打破传统的束缚，在艺术手法上追求更新的东西。模糊的轮廓，朦胧的色彩，不易分辨的色调变化，不连贯的短小动机的瞬息飘浮，都是印象派音乐明显的标志。它反映了时代变化的初步迹象，是现代音乐许多重要特点和精神意境的发端。

德彪西的《大海――海浪的嬉戏》是一部很难驾驭的教材。这不仅仅是因为作品的创作技法复杂、专业程度艰深，也因为我们过去对印象主义音乐了解太少、钻研不深。然而，作为近现代的一个重要音乐流派，特别是这一流派对当代音乐又有着深刻的影响，我们再不引导学生去认识了解它，将会给我们的后代留下多么巨大的遗憾？因此.即或是再难驾驭的音乐作品，我们也应当引导学生去认识、去理解。

在一般情况下，引导学生通过音乐要素、音乐表现手段去认识作品的风格特征是比较容易的。而类似《大海――海浪的嬉戏》这样的作品却困难得多了。因为它的音乐要素、音乐表现手段并不像常见的音乐作品那样容易把握。但是，任何事物总是在辩证地存在与发展着的。具体到这部作品上，直接感受、体验音乐的风格，而后再透过客观存在们的风格去认识、理解其音乐要素及音乐表现手段。这几乎反而更容易些。张亚红老师设计的这份教案正是从这里切入进去的。

在教学方法上，张亚红老师突出的使用了比较的方法以加深学生的认识与理解。其中，有两项比较是很得法的：其一，用德彪西的音乐《海浪花嬉戏》与莫奈的画《印象？日出》做比较。尽管这二者分属于不同门类的艺术，但在艺术思想、创作手法上都有共通之处。从他们的作吕中能够找出共同的特征。这就为学生认识、了解印象主义音乐的渊源及其基本特征提供了条件。

其二，用印象主义音乐与民族乐派音乐做比较。这样做，非常具体地从节奏、旋律、和声、音色、调式、调性、曲式结构、音乐内容等方面看到它们的不同。这同样为学生认识、了解印象主义的风格特征提供了条件。

在教学方法上。张亚红老师很注重聆听。仅《海浪的嬉戏》这段音乐就在一节课中聆听了三次。初听时，学生对作品得到一个粗浅的、不完整的印象；复听时，学生对乐曲的某些片断做了深入的分析，并且对各音乐表现手段在整体欣赏的基础上要求学生抓住瞬间感受；再次复听时，要求学生较为精细地、全面地感知、体验《海浪的嬉戏》，进而对印象主义音乐有一个初步的理性认识。

总之，这样设计本课的教案是比较实际，也比较容易收到实效的。

设计素描课堂笔记篇七

设计素描是为平面设计、工业设计、环境艺术设计等设计专业而开设的素描基础课,是以培养设计师为目的的一种造型实践,是整个设计活动的基础.在设计素描教学中应结合不同的'设计专业、不同的设计对象,贯穿不同的有针对性的设计理念,注重不同能力的培养.

作者：孙博作者单位：大庆石油学院艺术院美术系刊名：美术大观英文刊名：artpanorama年，卷(期)：“”(3)分类号：g63关键词：

设计素描课堂笔记篇八

素描设计是美术设计的一项基础技能，也是创作过程中不可或缺的环节。就个人的学习和实践经历而言，我对于素描设计有着深刻的感受和体会。今天，在这篇文章中，我想分享一些我的心得体会，希望能够对学习素描设计的朋友有所帮助。

第一段：学习素描是美术基础。

在学习素描之前，我们需要了解一下美术基础概念。例如，构图、色彩、线条等等，这些都是素描设计创作不可或缺的部分。在研究美术基础的同时，我们也需要了解素描设计的历史和发展过程，并从概念角度对素描作品进行分析和探究。对于初学者，建议多看一些素描大师的作品，从中发掘造型、线条、比例等基本要素，逐渐加深对素描的理解和认识。

第二段：法则灵活运用，线条处理质感明显。

素描设计的关键在于线条处理，我们需要掌握线型、线条路径、线条厚度和颜色、渐变和阴影等技巧，以此获得细致、全面、逼真的效果。在实践过程中，我们还需要运用多种法则，例如透视、比例、结构、形态、变形等等，并根据自己特定的表现需要，灵活运用多种手段，力求表现深度、质感，以及造型上的纯熟度。如此才能够获得更加令人满意的效果。

第三段：创造力体现个性。

素描设计同样是一项创造性的工作，这就要求我们在运用上述方法时，注重体现自己的风格和特色，以此表现个性。每个人都有其独特的审美和视角，需要在实践中逐渐挖掘发掘，进一步突出和体现。可以选择自己熟悉的素材，发挥自己的想象力和创新能力，将素描设计融入到个人创意中，创作出符合自己审美和个性的独特作品。

第四段：自学为主，学以致用。

个人认为，素描设计不是短时间内能够掌握的技能，而是需要长期、持续不断的练习和实践。在练习的过程中，自学是如何重要的一部分。我们可以阅读相关的书籍、杂志、学习资料、参与讨论等等，不断补充自己的知识储备，不断反思自己的实践经验，进一步完善自己的设计能力，将其运用到实际的创作当中，提高自身水平和竞争力。

第五段：多方面提高。

除了自学和实践，我们还可以通过其他的渠道来提高自己的素描设计技能。例如，参与学校、社会团体、艺术课程等课外活动，参与比赛或展览等竞赛活动，学习观察、分析和反思。同时，我们还可以与其他素描爱好者建立联系，分享学习经验，共同探讨更高效、更创新的素描设计方式和手法，提高自己的素描设计技能水平。

总之，素描设计是美术基础中不可或缺的一部分，需要我们完全掌握美术基础，也需要运用灵活、创新的手法，表现个性。相信通过不懈的努力和持续的学习，我们都能够成为一名出色的素描设计师。

设计素描课堂笔记篇九

第一段：引言（200字）。

素描是一种艺术形式，不仅常用于绘画、建筑设计和工业设计中，也是许多设计师的基础技能之一。作为一个有着多年设计经验的创意设计师，我深刻体会到素描的重要性和其在设计中的实际应用。在过去几年里，我一直在学习和提高自己的素描技能，并在我的工作中广泛应用它。在这篇文章中，我将与您分享一些我在素描设计中得到的心得体会。

第二段：素描的基础技巧（200字）。

素描是设计师必备的基础技能之一，是表达形式、比例、轮廓和阴影的一种方法。要学好素描，首先需要掌握基本技能。写实素描需要我们细致观察、捕捉事物的比例、角度和形状。在开始绘画时，通过简单的线条和轮廓来构建画面，确定好位置和比例后，再深入细节，添加线条和阴影，使画面更加生动。

第三段：素描与创作（200字）。

素描不仅是绘画的工具，还可以帮助设计师构思和创作。在设计过程中，我常常会使用素描来构思原型，可以更好地表达自己的创意。过程中，我会先在纸上画出大致的形状和线条，再逐渐深入细节，不断调整比例和角度，直到达到最终的设计效果。素描也给了我更多的观察力和思考力，让我在设计过程中更加从容自信。

第四段：素描与交流（200字）。

素描的另一个重要功能是作为设计师之间的沟通方式。在一个团队中，设计师需要互相交流、理解和协作，而素描可以成为共同的语言。不同领域的设计师，只要掌握了基本的素描技能，就可以通过图画来表达自己的创意和理念。这种跨领域的交流方式，能够促进团队的协作和创新，也能够让设计师更好地理解客户需求，提供更好的服务。

第五段：总结（200字）。

在总结这篇文章时，我希望不仅让大家了解素描设计的基础技能和应用，更希望能够鼓励大家去学习和提高自己的素描技能。无论您是一名设计师还是一个普通人，学习素描都有益处。素描能够提高我们的观察力、思考力和沟通能力，让我们更好地表达自己的创意和理念。希望这篇文章能够帮助您了解素描设计，也能够激发您的学习热情和灵感创造。

设计素描课堂笔记篇十

也许是出于想提高自己的艺术素养以及能学会一些新技能，我报了素描这项选修课。而这项课程也确实让我收获了不少——不管是一开始的购买绘画用具，一直到后来可以画出一张完整的素描作品，都让人受益颇丰，兴奋不已。

开课的第一天，我从学习画一笔直线开始，到一点透视，两点透视······在此过程中，有诸多困难，例如：拿笔姿势不对，线画不直等。直到将近1小时的课程即将结束，我才勉强画出一个完整的正方体结构。虽然画的还不怎么好，但也总算是迈出了第一步。

今后的课程中，我一点一点地龟速进步着，每节课都认真地将全身心都投入到绘画当中，仿佛周围的一切都与自己隔绝了。

在这两个学期的素描课程中，我知道了三大面，知道了明暗对比，知道了反光点是怎么画出来的······更知道了素描并不是轻轻松松、一天两天就能学会的，而是日积月累、一根线条一根线条练出来的。优秀的素描作品则是一种有灵魂的艺术，它有属于自己的思想和情感！

学习素描让我懂得观察事物时细致入微，对待事物需要沉着冷静，想要完成一件事情，不管简单或者困难，都要持之以恒。如果能在以后的生活中以这种心态来面对，一定能够取得事半功倍的效果。

素描真是一门神奇的艺术！一张张白纸被我用画笔绘成一幅完整的作品，那感觉不可言喻，但它无疑使我们感到开心，更让我受益匪浅，懂得许多道理。

设计素描课堂笔记篇十一

教材分析：

教学目的：

通过欣赏《大海》，使学生初步了解西方近代音乐的风格特点。

教学重点：

赏析《大海》，感受、体验其音乐风格。

领会和理解印象主义音乐的风格特点。

教具：

录音机、录像机、电视、投影仪、磁带等。

教学时数：

1课时。

一、导入新课。

(一)交流本课预习。

“关于海的文学描述。

(二)讲明本课学习内容。

1．了解印象派的音乐风格；

2．欣赏交响素描《大海》第二首《海浪的嬉戏》。

二、欣赏乐曲。

(一)展示思考题：这部作品与以往欣赏过的作品有不同吗：你能说出有哪些不同？

(二)学生初听《海浪的嬉戏》。

(三)老师引导学生回答思考题。

三、向学生展示法国绘画大师莫奈的风景画《印象：日出》。

1．学生讲述对画的理解。

2．老师讲述：

十九世纪六七十年代．在法国兴起了一个画派。他们把颜色彻底分离．用颜色的冷暖来交织画面，是一种艺术的革命。他们采取交阳光下直接作画的方法，主张捕捉自然界的瞬间印象．实际上就是冲淡理性的东西，追求瞬间的感觉。

《印象：日出》真实地描绘了法国海港城市早晨日出时的光与色给予画家的视觉印象，突破了传统画法的束缚，被称为印象主义绘画。

四、简介印象主义音乐：

(一)设疑：你了解印象主义音乐吗？

(二)学生交流和讨论。

(三)教师归纳：

五、赏析《海浪的嬉戏》片断：

（一）谱例1。

(二)展示思考题：

1．这个片断是由什么乐器演奏的？

2．这个片断描绘了大海怎样的景象？

(三)教师归纳：这首乐曲几乎都是由这样短小的动机，和不大有规律的节奏型组成的。这些旋律片断生动而迷人地表现出海浪的泡沫和水珠，以及阳光在起伏的.海面上映出的闪光。

这个片断是由长笛、单簧管及小提琴演奏的：

(四)作者简介：

德彪西是十九世纪末，二十世纪初法国杰出的作曲家、钢琴家、指挥家和音乐评论家，印象主义音乐的创始人。

他著名的作品有管弦乐《牧神的午后前奏曲。钢琴曲《月光》，以及《云》、《节日》、《大海》等作品。

罗曼？罗兰对德彪西是这样描绘的：“这是一“伟大的梦境画家。”

六、聆听《海与辛马德的船》片断(里姆斯基-科萨科夫曲)。

(一)展示思考题：

1．听后产生了怎样的联想？

2．你能哼唱主题旋律吗？能辨别音色吗？

3．里姆斯基-科萨科夫是哪一个音乐流派的代表？（民族乐派）。

谱例2。

1.学生简单讨论考题并回答。

2.教师小结。

七、复听《海浪的嬉戏》。

(一)思考题：

1．德彪西对海的描述与里姆斯基-科萨科夫对海的描述有什么不同？

2．展开丰富的联想和想象，记下自己瞬间的感觉。

(二)简单讨论分析作品，让学生辨别音色。

乐曲开始在引子中可以听到长笛和单簧管的对话，然后是英国管和双簧管。这时它的主旋律好像也在弦乐器的颤奏中发展着。

乐曲几乎都是由这样短小的动机和不大有规律的节奏型组成的，不太容易哼唱。

谱例4。

这一段主题稍经反复，在木管乐器上列闪烁的伴奏音型，乐曲中段的新主题便表情地奏出：

这是由长笛、双簧管、英国管和单簧管同时演奏着的一个对题，它构成一个增二度的复调，第二主题逐渐成为乐章的主体。

(三)根据讨论分析归纳：

1．旋律方面：不易歌唱，瞬息万变，轮廓朦胧模糊，但有踪迹可寻。而在其他音乐流派中，特别是民族乐派的旋律，尤其易于歌唱。

2．节奏上不强调节拍重音。在作品中，音乐小心地柔和流动地遮掩了节奏的律动，从一个小节滑向下一个小节。

3．和声方面：追求模糊的混合色彩，具有捉摸不定闪烁的图画性质。德彪西强调音程八、五度的平行进行，而这样的平行运动在古典时期是禁用的，他多用其他乐派认为不协和的和声，如二度进行及九和弦等：这样就使他的作品出现了奇妙的色彩。

4．调式方面：由于更多地运用上述手法，使得印象派的音乐既不在大调上也不在小调上，而在二者之间摇摆，在各种调的边缘徘徊，创造出难以捉摸的效果，就像是印象派绘画中朦胧的轮廓。

5．在曲式结构上：倾向于小型作品，用简单灵活的形式代替奏鸣曲式结构。

八、再听《海浪的嬉戏》：(一)要求学生边听边把自己想到的内容用文字或绘画的方式表现出来。(二)展示学生的文字描述或绘画。

评析：

德彪西的《大海――海浪的嬉戏》是一部很难驾驭的教材。这不仅仅是因为作品的创作技法复杂、专业程度艰深，也因为我们过去对印象主义音乐了解太少、钻研不深。然而，作为近现代的一个重要音乐流派，特别是这一流派对当代音乐又有着深刻的影响，我们再不引导学生去认识了解它，将会给我们的后代留下多么巨大的遗憾？因此．即或是再难驾驭的音乐作品，我们也应当引导学生去认识、去理解。

总之，这样设计本课的教案是比较实际，也比较容易收到实效的。

设计素描课堂笔记篇十二

大学的第一个学期进行到一半的时候，我们迎来了设计素描课，迎来了我们的叶老师。叶老师在保存我们自己内心的想法和思想的基础上提高我们的艺术设计与表现能力，并教导我们艺术作品必须有思想，有内涵，有冲击力，画面完整。这些都是我们学习工业设计这一专业的基础。

设计素描作为一门绘画艺术基础课，以质感、明暗调子、空间感、虚实处理等方面为重点，研究造型的基本规律，画面以视觉艺术效果为主要目的。基础素描与设计素描同是艺术基础教学的重要组成部分。基础素描作为一种素描形式，它的雏形和胚胎早在文艺复兴时期就已大体形成，于上个世纪初被引入我国，发展至今基本遵循的规律，可说已相对确立。设计素描则相对年轻，虽说于1919年德国包豪斯学校开创了设计素描教学。但是引入我国也是到了上个世纪80年代，90年代才真正开始深入设计教学体系之中。设计素描注重结构的理解。培养学生对转折点的把握记忆与用线的表现。在学生个有一定认知水平和表现能力的基础上深入培养对物理事物的认识理解。通过各种观察研究。加上大量的变化练习。从而创造出新的事物。并给事物一美感。设计素描的表现力很强。提高表现力的方法就是多观察自然,多理解事物，多做速写练习。提到表现力就不得不说构图重要。经常构图练习的习惯也需要培养。创意想象力也是非常重要的。在生活中多补充各方面的知识。懂得用各种工具。局限住的设计师是创造不出好的作品来的。

从学习画画开始到现在已经有了三个年头，但是在设计素描上感觉自己还是像个初学者，好多问题都还没有解决。

绘画素描是通过再现对象的具象描绘来反映意识形态的创作；而设计素描是再造，是通过计划和想象而进行的审美创造。绘画素描强调画面的整体性，要求大脑对客观对象进行判断、分析以达到对象与表现结果的一致性。设计素描则强调将收集、贮存的局部信息进行综合处理后组合成新的整体的造型活动。绘画素描着重于对所绘内容的表现效果以传达对现实的感受，过多地投入了作者的情感因素和展示情怀；设计素描是以绘画素描为基础利用其绘画规律并借助于其表现手段来更好地表达和表现设计意图，着重于对物形及设计思想的结合来使观众产生新的感受。设计素描的画面内容不是对生活的模仿而是依据作者对生活的不同感受和头脑中不同的理念综合形成画面的形象处理。依据画面自身构成因素与作者的构成理念相结合而进行的一种艺术处理。设计素描要学习的内容很多，所有的学习内容与研究都是为将来的设计提供基本的方式方法及制作手段的拓展来进行的。

让学生在进行创新创作时不墨守陈规自由创作出新颖独特、美观的作品来。在教学实践中我们发现，传统素描基础较为扎实地学生在进行设计创意训练时，能够较好地、生动地、艺术地表现设计意图；而素描基础不是太扎实地学生就不能很有效地将自己的创意有效地表达出来，这就说明传统绘画素描的观察、分析客观物象的思维方法，手与脑的协调性上，对画面的控制能力和审美意识还是起着一定的作用。这就说明设计素描是在传统素描的基础上发展起来的，在观察方式、表现形式等方面，既对传统素描予以继承，同时又有别于传统素描。设计素描侧重于全方位的观察，包括平面形观察、立体观察、横断面（剖面）观察以及运动观察，并且强调从结构到材质，借助理性思维能力创造新造型的技能表达。传统素描提倡看，设计素描强调用。目的的不同造成了思维和表达方式上的差异。

德加说：素描画的不是形体，而是对形体的观察。这里的观察就传统艺术来讲是一种分辨差异。但对于设计艺术范畴来讲是发现、分解和提炼。例如观察一辆自行车，就要将车把、车架、轮盘、车座、脚蹬等进行分解然后研究其组装的结合方式。再就是将其不同部位概括提炼成不同的形状，以形体的认知来感觉我们看到的一切，使学生通过发现形式形态，分解组合结构并提炼概括以获得敏锐的捕捉能力和感知能力。

看是一种行为，而观察是一种思考，设计素描要求的观察是深入地剖析，剖析的过程就是思考的过程，在思考中将隐蔽的、含蓄的、若隐若现的形体结构明白无误地显现出来。不能浮光掠影式的被动抄摹。并且将这种观察思考方式逐步演化成为一种不自觉的潜意识。观察有对生活的观察和对画面的观察，生活是形象语言的源泉，画面是形象具体反映的场所，形象的创造必须有生活的积累，这就要求学生不仅要在生活中注意观察和专业有关的事物，同时也要在画面上进行努力的学习和掌握表现的方法。另外，有很多时候由于没有真正理解观察的含义和正确的观察方法，长期处于懵懂状态即使作画也是看一眼画十笔的编造。

正确地观察方式是进行艺术活动首要解决的任务，也直接决定了艺术水平高低、强弱、进步的程度。能够迅速进入绘画的状态和明了的进行表达与思考。不正确的观察方式或常态的观察方式会导致低级、平庸的现象不利于进步与提高，而且相对片面地违背了认识事物、表现事物的客观规律，削弱了对视觉对象直观与敏感的发现、想象、创造能力。

我们学的是工业设计，现在我们在设计中普遍存在两大问题，一是作品形式的空间感差，二是作品缺乏想象力。两个问题都影响到作品的深度和质量，两者的病根都源自素描基础的训练和认识不足。

空间感是素描造型的第一位也是最后一位问题；形是造型的第一位，整体变形透视是造型的终结。客观形状通过视觉变形产生透视，规则的透视产生整体。整体的透视变化是完成造型训练的标志，否则就是门外汉。设计者如果解决不了这个问题，其作品必然是平板的，不可能具有深度感和运动感。我们目前的状况正是这样，专业学生或者说专业教师对素描和所谓平面设计有误解，他们只热忠于从事相对简单的平面变形，很少能创作出具有空间难度的设计作品，原因主要在于他们没有真正解决素描的透视问题。

作品缺乏空间意识的现象很普遍，看看我们身边的楼房、服装、商标标志，同国外同类作品的差别是明显的，或许可以把这些差距归结到文化意识和工业化程度上面，但有一个事实是不容争辩的，那就是没有空间感的素描，怎会创作出具有空间感的设计？也许有人会说：国外不是已经不搞写实了吗？这种把素描理解成简单的基础和把基础与应用对立起来的观点正是造成设计简单化、平面化的问题所在。

长期以来我们在艺术创作上提倡民族化、中国化，简单的把民族化理解成平面化并与外国的空间化相对立，形成了一股顽固的意识。前一段时间，美术界针对造型上的问题，提出我国美术缺乏一个理性阶段的观点，经过一段时间的实践和讨论，美术教学和创作很好的解决了这个问题，使我们的艺术作品在国际上得到了广泛认可。但目前的设计教学和创作却还在民族化的借口下，重复着夜郎的故事。艺术的产生和发展有其自身的规则，任何人也不可能在没有满足规则的前提下搞出符合规则的设计作品。其实我们的书法和大写意国画是非常具有空间感的艺术作品，这些本应成为提高我们设计水平和能力的宝贵财富都被一笔划到平面的民族化里去了。也许我们的设计界也存在一个理性阶段问题。

设计艺术同普通美术有一定的区别，设计强调艺术规律应用的直接性。绘画是通过描绘自然形态实现作品多样而统一的，设计却要在黑白灰、点线面的纯形式上显示艺术的这一创作要求。在国外，虽然不再大搞写实训练，但人家已经摸索出了一整套应用规则的教学方法，已经实现了从规则到应用的转化过程。而我们的教学由于认识上的偏差，没有从根本上解决基础和应用的结合问题。虽然我们也在基础教学上实行了一些结构素描和超写实素描等实验课程，但转变不大。因此，我们的设计教学应该加强造型原理方面的研究和原理与应用方面的探索，如此才能从根本上解决赶超发达国家设计水平问题。

大家最不能忍受的是每天铺天盖地没有想象力的广告和设计；平面化、简单化、庸俗化是我们最容易犯的设计错误。空间化、多样化、人性化才是我们追求的方向，解决这三个问题基础还应当从素描或速写着手。

长期以来，我们把人性化理解成人类化，把生活化理解成真实化或社会化，于是就出现了只有人拿着产品，真实的吃（或用），才能使人信服的创意。其实再有名的名人介绍产品，并不比将产品拟人化更具有想象力，再复杂的情节也不如一句双关语表达丰富；问题是这个语是来自于社会的约定俗成哪，还是个性的独创。怀素书法笔意中的剑舞蛇行，要比一幅舞剑图或蛇行图给人的想象力丰富的多。怀素能把普通的生活现象转化成个性化的艺术独创，靠得是审美的认知和多样化的表现技巧，这两项要求恰恰是素描训练需要完成的任务。审美认知是素描的特征性整体观察，多样化表现是素描造型能力的技能训练。这两项训练都是艺术想象力的前提。这就要求我们的素描不但是表现客观的工具，而且是探索规律和规律转化可能性的工具。

在素描中，探索规律转化问题一直是一个禁区，也就是所谓的技术与艺术不能兼得。于是乎素描的应用问题成为艺术家神秘的秘诀。我的老师吕品先生也曾说过：艺术家一人一个规律。其实这里说的是两个问题，好比嫁接果树。一是树，二是果实。素描好比是树，树是共性的，可教的。树上节什么果，艺术家可以自己选择品种，可以探索各种可能性，属于个性，是不可教的。但我不说树，也不说果实。要说的是那个关系着两者的嫁接技术审美认知（或者叫形象思维、联想思维）。审美认知才是规律转换的关节点。审美认知是可以教的，也必须教，如果我们造型规律应用的不顺畅，问题就出在它那儿。

大自然是多样化的源泉，如果我们只是简单的使用它，没有把它当作养料滋补自己，无异于进化的倒退。如果我们只是研究它的比例、明暗之类，我们就成了象柏拉图所说的它的孙子的孙子。因此，我们为什么不在认真地观察、表现它的时候加进一点意识和联想，完成一些主动和愿望哪？有人可能会说：我们不但加了，而且加的比你预想的还多。但我要问：你是站在什么立场上加的？是站在自然的立场，还是站在人的立场？是站在人的自然属性立场，还是站在人的社会属性立场？自然是艺术的老师，如果站错了立场，即使是无偿的赐予，也无法获得。自然有造型需要的所有东西，不同的素描观好比两种镜子，一种是放大镜，另一种是变色镜。我们应该拿起放大镜，寻找我们需要的东西，而不是改变那些东西，这种改变只能使原本丰富的东西简单化。其实所谓嫁接技术只不过是把我们所需要的东西放大到一定的度，说的具体一些，就是把自然形态的特征夸张一点。

在设计素描中，我们要懂得变以前画画的以像为标准为以不像为标准，画面整体要完整，主体物要有一定的抽象性，并且可以让观众明确地感受到作者想要表达的主体与立意。在某一个物体的表达上，我们必须要从六面体的角度去观察，去想象，世界上的任何物体都可以想象成一个六面体，从而表现出它的立体感，表现出它正确的几何透视关系。

这些，都是在半学期的设计素描课中获得的受益匪浅的知识。在叶老师的指导下，我对素描与设计的认识长进了很多，希望在以后的学习中可以继续和叶老师学习，不断取得进步。

设计素描，则以比例尺度、透视规律、三维空间观念以及形体的内部结构剖析等方面为重点，训练绘制设计预想图的能力，是表达设计意图的一门专业基础课，它基本上适用于一切立体设计专业（如产品设计、造型、雕塑等）画面以透视和结构剖析的准确性为主要目的设计素描不同于传统素描，从广义上讲其内涵十分广泛，包括具象设计素描，结构设计素描，抽象设计素描，表现设计素描，意象设计素描和材质综合媒介表现性素描等等。设计素描是培养创意设计的基础课程，教学过程应强调构思与想象能力的训练，培养我们的创造力。设计素描的主要特征是求新求异。而新和异要靠创意构建，因此，创意是设计素描的核心。创意的本质是创造和想象。创造从认识自然为起点，要不循常规地观察客观物象，为创意积累物质精神素材。设计素描中美感也是一个重要因素，如何在创意中构建审美价值也是一个重要课题。所以我们在学这门课的时候老师也让我们加入了自己的创意，向解构啊，联想啊，我觉得这些都比原来的基础素描有意思，加入了更多的设计元素，让素描显得不那么枯燥，让我们对素描产生了更多的兴趣。

上个学期我们已经开了设计素描的课，但学的也基本上是些基础素描，可能是刚从高中转变过来的远影吧，知道这个学期我才真正认识到设计素描，我才知道素描并不是像以前那样写生，默写，临摹，它加入了大量的创意，要我们用头脑去想，去思考，去设计，老师也放了一些好的作品给我们看，我自己也上网搜了一些设计素描作品来看，我也有很多感触，觉得设计素描简直太神奇了，也好想让自己那么有创意，所以自己也在一直努力着，希望自己也能画得好，也常常遇到一些问题感到很困惑，当自己把这些问题解决了时心里也感到无比的欣慰。

在学习的过程中我还明白了由于设计素描是为了锻炼表达设计意图能力这一目的，它的构图要求没有基础素描那样讲究。在单个物体的构图，只要注意上下左右的范围，四周留出适度的空间就行，表现的对象可以安排在画面正中。设计素描的虚实变化也不太强调。不象基础素描那样把后面的物体画得过虚，因为这对全面、透彻地分析理解物体结构是不利的。构图安排属于审美范畴，设计素描首先要考虑的是分析理解对象的结构关系，所以其构图设想只要不与总要求抵触就行，对统一均衡多考虑一些，而对虚实、疏密也不强调过分，否则就会损害设计意图的表达。所以我们就不用考虑太多的构图问题有了更多的随意。

设计素描是探讨和利用造型元素的构造表现原理来发掘人的理性思维和创造性思维的方法，是针对艺术设计专业和相关设计专业的一门必修的造型基础课程之一。所以我觉得艺术设计专业的素描，其目的实现形式本来就应该多样化，不必简单地归结为某种模式。况且，西方提出设计素描这一概念的历史也只有几十年，引入我国作为艺术设计专业基础课程的教学也只是在20世纪80年代，应该说还处于形成与发展的阶段，许多理论问题还有待在实践中不断探索和检验。我觉得应该给予我们宽松的'学术氛围、老师们应该应用多样的教学手段、宽泛的选择空间去发展其优势，是学术民主的一种体现，因此不必过早地加以定论。设计素描应该根据艺术设计的特点和要求，既要有利于启发和拓展我们的设计思维，又要有利于培养我们的审美能力和动手能力。更好地为我们以后的设计课程做铺垫。

总之呢，经过了这六周的学习，我收获了很多，学到的很多很多以前不知道不了解的东西，也让我进步了很多，虽然在这个过程中遇到了很多的困难，但是也还是解决了这些困难，我相信我在下次的设计素描课中可以做到更好。

素描是一种独特的艺术形式，它不仅仅是一切绘画艺术的基础，也是一门独立的充满神秘感的艺术类别。在人类的艺术发展史上，素描艺术更是艺术家表达情感的最优先、最直接的选择。而关注人本身的存在状态是艺术家们必修的课题，人物的形象塑造也是艺术家们重点研究的对象。

经过四周的练习，对素描有了新的了解与进步。以前画素描都是画几个石膏，进入大学，连画的静物都多样化了，不止是局限在某一样东西，比如前两周的人体。这是难度的提高，也说明素描的对象并不是死板的。“要用心感受你所画的对象”老师在每次对静物或人物形象特征进行分析的时候，都用不同的描述语言启发着我去观察、寻找、探索、思考着所画对象给我的感受以及在我心目中特有的形象，不仅仅存在于事物表面的一种固有特点，或高或矮或胖或瘦，而是一种每个人所特有的精神状态，一种每个静物从环境中凸显给你的氛围感受。有句话是这样说的“一个人一生所遭遇的一切在他的灵魂深处都有所投射”，而我所要去体会感受的就是这种灵魂深处的投射，尽管不一定贴近，但却是在贴近的路途中这样画出来的对象才能脱离死板的俗套、进入一种作品的状态，通过这种对素描语言的研究、分析与实践，逐步树立用自己的眼光观察、思考和探索有独特审美趣味的造型。对传统与现代绘画的形式语言进行分析和研究，提高画面造型要素的组织能力。

在专业大课上，老师按历史时间顺序给我们播放了多位大师的优秀作品，从大师的作品中，我感受到了一幅作品中作者对画面整体经营能力的重要性，无论用什么样的技法、表达方式，都是为了是画面更有效果，从点线面到黑白灰，无一不是在对画面节奏的一种安排。通过这次素描基础的训练，我不仅了解了画面构成的基本原理，同时也树立起了对画面经营的意识。老师不断地鼓励我们去尝试不同的材料工具、寻找适合自己的表现手法，我的画面一般而言都是表现力比较强的、对整体形式感把握的相对胜于对细节的处理，这也是我要选择的一种相对有优势的表现手法，而对细节的处理则要同时加强，有助于画面的生动。自然画面就会具个性化一些，也生动一些。创意素描，素描的另一种形式。这是与以前画素描截然不同的，创意素描讲究的是创意，就是要会想象，但又要结合素描，想象力加素描功底，这使画面不像纯素描那样静态，创意素描更能反映出心理，更有内涵，也更生动。

我觉得我会更加更加喜欢创意素描一些。我很喜欢超现实主义的画作，像达利的那幅《记忆的永恒》，很早以前就看过，总觉得很特别，很另类，也很有张力，夸张的变形，怪异的想象与现实的完美结合。现在看这些画作时，心里产生的想法会更复杂。我这次画的作品的灵感是突然涌现的，也许就跟平时的素材积累有关吧，我脑子里的创意思想还挺多的 ...... 这样就完整了。画出来后，感觉还挺好，也有种成就感。

在基础未打好之时，对于那种专门追求风格、流派的做法，加以引导和纠正。要认识到：没有浑厚的基本功作基础，单纯地去追求某些风格、流派的做法是有害无益的。因为不仅要具备照着物象摹写的能力，更重要的是要培养自己的理解、记忆和想象能力。这样，才能真正具备全面的造型能力.因为素描是一切的基础，只有打好这个基础才会更好的表现创意素描，也是为以后的设计打底稿，调整修改应本着整体的原则，反复分析研究，反复比较，理解形与神的关系。要用第一眼看到物象时那种新鲜强烈的感觉来检查画面效果，找出画面与物象之间的差距，检查物象与物象之间的组织结构、形体比例是否准确，质量、空间关系是否恰当，主次虚实是否有序。

这些因素的调整，主要是想通过反复的校对和比较，能够更深入地研究对象和表现对象。在这次素描基础训练的过程中，用努力、认真的态度去对待每一张画，不仅改观的是绘画技法，更改观了我对待绘画的态度，席勒说“艺术之自由的女儿”，而在绘画艺术中，我们更能够把自己心中所想所感受的通过画面表达出来是一种令人向往的美好。这里所讲的“表现”是说：在素描训练时，应当要用对物象深入的形容和新的发现来不断地激起表现的愿望，激起类似创作的激情。所以以后继续努力，画出更好的作品。带着对新知识的把握，对未知的好奇，踏入历史对素描艺术研究的漩涡，课程落下帷幕，探索才刚刚开始。

设计素描课堂笔记篇十三

作为一名学习设计的学生，设计素描对于我来说一直是一个十分重要的环节。毕竟，一张好的设计素描不仅可以展示我们的创造力和才华，更能够向我们传达设计要素的基础知识。在这篇文章中，我将分享我对于设计素描所获得的心得体会。

第一段——素描技巧的重要性。

对于设计初学者而言，掌握素描技巧直接影响着我们学习设计的效率和成果。素描能够提升我们的手绘能力，加深对于线条、比例、透视等概念的理解，让我们更好地把握设计思路。纸上练习的过程中，着重理解和描绘形体的关系，加强构造意识和设计思路的连续性。作为一名设计初学者，我深切体会到了这种技能的重要性，只有不断练习，并且善于将其应用到实际设计中，才能称为真正合格的设计师。

第二段——素描的观察能力。

除了技巧运用，素描还需要具备良好的观察能力。素描的绘画过程与我们日常所作的观察过程是相通的。绘画的开始需要观察对象的形态特点及其所在的环境等等。通过素描我们可以提升观察力，让我们更好地去捕捉细节，抓住设计灵感的契机。通过绘画的过程，我们能够发现事物的深层次的关联和本质，这为我们在设计领域中的想象力和特色创造提供了可能性。

第三段——素描的表现能力。

通过素描，我们也能够更好地表达我们个人的设计理念和审美观。描绘每一根线条的起点和终点，在实践中感受它们的粗细和颜色的明暗变化，创造出生动而有力的形象和构图，更高地展现出个人的创意与灵感想象。同时，素描也是视觉设计的重要基础，并提供创新的基本对象和形式语言。素描不仅是绘画艺术的基础，更是设计师掌握设计语言的必要技能。

第四段——素描实践中的应用。

素描不应止步在课堂or研讨会上，更应该让它到应用中去调动。在与客户沟通和交流时，我们可以通过素描，并收集意见和建议，将设计落地于实际过程当中。而素描的应用范畴，不仅与平面设计领域相关，还覆盖场景设计，包装设计，工业设计等众多方面。通过素描的具体运用，让设计师更好地解决客户需求和创新的平衡点，从而更好地为客户定制具有不同特点的设计。

第五段——结尾。

设计的过程充满了想象与创意，而物质化地展现设计思想和方案的方式则是多种多样的。素描作为其中的一种，帮助设计师提高了绘画能力，加强了对设计语言和构造的理解，还可以在实际设计当中发挥出重要的作用。总结而言，素描是设计初学者不可或缺的技巧，并能够成为更进一步学习更加高端的设计语言，以创造出更加优秀的设计作品。