人的记忆力会随着岁月的流逝而衰退，写作可以弥补记忆的不足，将曾经的人生经历和感悟记录下来，也便于保存一份美好的回忆。那么我们该如何写一篇较为完美的范文呢？接下来小编就给大家介绍一下优秀的范文该怎么写，我们一起来看一看吧。

插画创作设计论文题目篇一

平面设计类 毕业 论文题目

1、《与秋》平面设计系列作品

2、探讨图像处理软件在平面设计中的应用

3、浅谈计算机平面设计教学的改革与实践

4、探析色彩语言在计算机平面设计中的应用

5、平面设计中的二维动态图形教学与实践

6、分析平面设计中视觉审美元素的构建

7、视错觉在平面设计中的应用与研究

8、印染图案在平面设计中的运用--评《中国传统印染 文化 研究》

9、基于人工智能alphagd视角下的平面设计发展思考

10、建筑平面设计中视觉审美元素构建 方法 探究

11、 传统文化 艺术元素在平面设计教学中的应用

12、浅谈绘画性语言在现代平面设计中的作用

插画创作设计论文题目篇二

“在我的潜意识里，用鼠标画画，早已和用一支笔或一根油画棒作画没有什么两样了。这一媒介使我操作起电脑来更快、更好，而且也更便宜。”

----摘自（英）安格斯·赫兰德的《画笔与鼠标插图画家尼克·辛吉斯访问彭塔格莱娜设计有限公司时所说，1999年8月。

我喜欢电脑，坐在闪动的屏幕前，用灵巧的鼠标在方寸之间，把自己的想法表达的淋漓尽致，这是一件多么惬意的事情。这一切都要归功于科技的发展，数字化的应用的确是很神奇的事情，我的生活也被改变了许多。眼前的这一切对于几年前的我简直是不可想象的(几年前的我正热衷于绘画艺术并沉醉其中而不能自拔，更不用说是用电脑了)，可是这一切又是那么的真实。当时还是想等我有了钱再搞什么艺术也不迟。在大学里学了四年的设计，喜欢绘画的我越来越喜欢设计了，在我眼里设计更甚于绘画，而且我从中找到了二者的结合--插图设计。

中国清代著名的山水画家石涛曾经说过：“笔墨当随时代”。在设计应用广泛的今天，设计也应当跟随时代。技术更新层出不穷，思维更迭变化迅速，给现代生活各方面以巨大的冲击。设计当然不可避免的受到了巨大的影响。

但是，随着电脑的普及以及应用水平的提高，对于个性化很强的插图设计来说，有了越来越多的表现手法、手段。作为传统的设计应用手法，插图设计经受了很大的冲击，也吸取了现代科技的精华，从而焕发了新的活力。在数字化的今天，插图设计作为绘画和设计的结合体在数码时代的今天，它到底能走多么远，是很值得我们思考的问题。

艺术需要个性，设计当然也需要个性，在这个个性张扬的数字化时代，越来越多的设计更需要具有个性。随着电脑以及各种数字化设备在设计领域的广泛使用，只有个性化的设计作品才能在行业中有立足之地，才能在行业中受到推崇，才能获得艺术价值。尤其是信息化时代的今天，伴随着生活节奏的变化和信息的视觉化的发展，数码化的设计正在侵蚀着生活的每一个角落。处于艺术及设计领域边缘的插图设计对我们来说并不是一个陌生的领域，最近几年，在图书杂志、时装展示、广告、音乐以及电视荧屏上，插图画频频亮相。而且越来越多的被应用到各行各业，在人类信息传播的历史过程中插图设计逐渐变得越来越重要了。

插图属于“大众传播”领域的视觉传达设计（visualcommunicationdesign）范畴。是艺术设计的分支。最基本含义是“插在文字中间帮助说明内容的图画。中国古代因插图出现的形式不同，故名称各异，如：宋元小说中的卷头画则为“绣像”，而表示章回故事的称为“全图”。插图的英文单词通常称为illustration。在中世纪圣经手抄本中称illumination，指圣经或祈祷文中的装饰性文字和图案造型。illumination是由英格兰撒克逊语系的lim-limm（绘画之意）和法兰西语系的luminer（给予光彩、发光之意）二者的折衷语。插图的另一英文单词是意指宗教书籍中的圣像。现代插图是指视觉形象说明、论证文字的概念或图示事情的经过。现代插图有狭义和广义之分。狭义的插图概念指插图，即用来论证和说明的绘画作品；而广义的插图概念指可以作为说明和论证的视觉材料，如插画、图表、摄影等。本文的讨论是建立在广义的概念基础上的。

自古以来，插图一直被宗教、文学、词典、图鉴等所引用作为文字的辅佐，透过图画、图解而赋予文字具体的内容。在印刷术刚刚发明时候，人们利用石版或木版的黑白线条绘图技术来制作插图，出现了少量的经帛卷的印刷品，例如中国1900年在甘肃省敦煌千佛洞出土的最早的在公元868年的刻印精致的《金刚经》卷中的插图，而在欧洲黑暗时代的流传于教士之间的手抄本、细密画和油画等，以及同时期出现的版画也都出现了大量的手绘图画。

然而以文字为传达手段的历史已久，在十五世纪德国人谷登堡发明的铝合金活版印刷术以及脂肪性油墨发明之后，大大提高了印刷的质量和速度，使大量的书籍开始传播，书籍传播成为主要的传播渠道。于是插图得到了广泛的推广。从此，插图的应用便成了近代视觉传达的主流。而这个时期，书籍是使用插图的主要媒介。

在十八世纪的法国以文字为主的同时，也还极为盛行使用图形插图。但是，随着中国明清出现的木版套印以及十九世纪彩色石板画的出现，使得部分插图应用在海报的设计中。此外，十九世纪的英国绘有图画的报纸也极受欢迎。到了十九世纪后半叶，不断有如英国的华尔·特克兰（walter·grane）与凯利·葛利纳韦依等人的儿童图画书，一般以插图而非以文字为主的出版物品出现。此外，十九世纪末开始，许多出版的美术杂志也极为重视图版与插图。因此，使报刊杂志成为了插图的最佳媒介。而且户外看板、海报、商标招贴、包装外盒、产品说明书等等，无一不运用广告插图，并使视觉传达方式确立下来。

摄影技术问世后，插图设计逐渐被照片所代替，绘画艺术开始趋于抽象化，不论是构图或技巧都增添了表现内容的意义性、象征性、风俗性等魅力或面貌，追求色彩的再现性，重视个性表现。从而导致了对现代绘画产生影响巨大的艺术流派的出现，如：印象主义、象征主义、立体画派等等现代绘画艺术流派。也使插图受到了巨大的影响，插图绘画的形式也更加多样化。就象超现实主义绘画大师达利（salvadordali1904-_）为《唐·吉柯德》所绘制的插图，充分表现了现代绘画大师超乎常人的想象力和表现力。另外，由于绘画材料的多样化，从而使绘画的技巧上出现了由单一的石版印刷、油画到水彩、丙烯等技法的发展。

随着现代印刷工艺的革新以及电脑的出现，设计的技巧以及方式得到了很大的改观。现代激光照排机的使用取代了手工制版的工艺，使各类图片在设计中大量出现。电脑的使用加速了信息的传播速度，而插图设计师依旧停留在传统以及现代的架上绘画中。因此，在二十世纪九十年代初的大部分时间里，插图都处于萎靡不振、岌岌可危的状况。随着商业市场的扩大，它的老主顾棗设计和广告部门已经变的更为廉价，其选择也更自由。由于电脑的运行速度加快还有软件更新换代，包括freehand、photoshop和illustrator等各种图片处理软件的大量提供，设计师和艺术指导似乎认为他们自己就能够应用电脑创造出自己的意象来。而这种局面更由于人们能广泛的接触市场所提供的大量的储存好画面的软件，以及盗版激光光盘（如photodisk照片光盘）的大量涌现而愈演愈烈。它们充斥于能够被巧妙处理的、随意剪辑的图片造型之中，而且有关“时尚”的印刷品书籍泛滥，于是，在九十年代传统插图已显得越来越不合时宜，往往被看作是地方性的、昂贵的、不可剪辑的、审美怪异的，并显现出了一种“复制加照片”的时代精神。

众多的说明性文字的图片并非出自经过传统训练的插图画家之手，相反，成篇累牍、跃入眼帘的图形都是那些图形设计师们整天和photoshop图片处理软件打交道的结果。当然了，我们也要承认其所存在的艺术价值。但是，终日沉迷于图形的拼凑，使得设计师到插图设计家对

图形设计明显失控，从而插图的艺术魅力就像离奇有趣的古老遗迹一样被人遗忘。

在九十年代中期科技高速发展，电讯业的发展，使日本和美国动画的大量传播。至今我还清楚的记着《变形金刚》、《超人》、《铁臂阿童木》、《超时空要塞》、《猫和老鼠》等经典的动画片。这些设计的出色的动画形象让人记忆犹新。电子游戏的普遍从街头的_到家庭用游戏机的普及，家庭用游戏机从8位机到16位机到play-station到现在的play-station2、x-box的发展，以及各种类型的电脑游戏的发展，rgb、角色扮演、即时战略、军旗式等等类型，大量的原画（造型设定）以及小场景插图的出现开始应用到非静态的动画设计中。

而在视觉传达领域电脑图像充斥大众视觉的时候，部分插图设计师认识到电脑对设计的巨大影响而重新思考解决视觉问题的途径。“在数字革命的觉醒中，相对于用photoshop软件进行美术剪贴的兴盛之势，使以颜料和墨水绘制的插图看来已失去了生存的土壤。对于那些仍以传统方式工作的人们，对绘画技艺生存荒废的讨论以刻不容缓。”插图设计家达瑞尔·雷斯在1999年11月在美国插图画家联合会（aoi）研讨班上讲到。

随着欧美插图设计的觉醒以及信息大量的涌现，设计越来越要求视觉的单纯化和技术上的革新，而科技的发展、电脑的普及导致了数码设计家将数码技术在插图设计中广泛的应用，并使数码插图设计在其创作中充当的重要的角色和作用。随着“纯艺术”和“商业设计”两者之间的界限变得越来越模糊，插图设计师的技艺填补了图形设计和艺术之间的空白，而且使用的画具也越来越数字化、简约化，新型插图因此获得了独特的视觉冲击力和艺术内涵，从而使技术和想象力的接合达到了前人所不具有的高度。

用鼠标作画不仅反映出插图画家创造形象的能力，而且使插图在曾经令人痛苦的就业领域重新繁荣，而且从审美的角度看，它具有简洁、可复制的属性，因为越单纯的图形，所承载的信息越大，给大众的想象空间也越广阔，所以不仅在图形设计行业，而且在整个传媒界正对这种日趋流行的风格做出反映。正如插图画家尼克·辛吉斯评论：

“在我的潜意识里，用鼠标画画，早已和用一支笔或一根油画棒作画没有什么两样了。这一媒介使我操作起电脑来更快、更好，而且也更便宜。”

首先，数码设备和软件解决了插图画家思维上不断变化的需求。

插图画家克里斯蒂安·拉塞尔认为：“我发现了一个明净的世界，真正美的澄澈。我能在转瞬之间重新着色，重构画面。总之，以任何我想要的方式重新确定大小、剪裁图像。我对这种全方位建构式的绘画、剪裁和粘贴等要素几乎纯粹数字化的制作越来越感兴趣。”数码设备和软件利用现代科技的便捷性使设计师对思维的转换的不确定性得到了最大的发挥。

例如这些软件photoshop、freehand、illustrator、painter不仅有着统一的优势：跨平台特性（支持pc、mac）、统一友好的用户界面、强大的图形操作处理能力、对多格式的文件的支持、完善的文字排录功能、广泛的兼容性，而且都有各自的特点：软件photoshop的面板中的路径（path）工具、橡皮(eraser)工具、铅笔(pencil)工具等。对于文件的大小都提供了象素（pixel）、厘米(cm)等度量单位。painter为使用者提供了油画、铅笔、水彩等大约五百种笔触的效果，并可以利用手写板、压感笔等数码设备掌握对笔触的透明度、干湿程度以及笔触的变化等的控制。freehand、illustrator等矢量软件都有贝塞尔曲线工具使用节点控制便于调节和修改。以及各种颜色（color）、历史记录(history)、图层（layer）等面板。这些功能的使用都对插图设计师的设计过程起到了方便快捷的作用，减短了设计和创意的修改过程，减少了流程的重复性劳动，从而使插图师的灵感得到最大程度的发挥。

这种几近科技的手法正在不断扩大其应用范围，甚至包括唱片封套的制作。例如艾克·库尼格在其设计的唱片封面所表现出充满了科技数字化的人文气息、整齐、又不拘泥于画面的插图风格。

其次，媒介的变化也是导致插图设计变化的条件。

插画创作设计论文题目篇三

温彻斯特手抄本圣经（12世纪）

抄本插画：基于原始艺术的“新型”艺术

现存最古老的圣经可以追溯到《新约》诸篇成书后的公元101年至200年之间。基督教得到罗马帝国承认后扩展迅速。在地处偏远、未被战火波及的爱尔兰基督教传播尤为成功。追求清心寡欲的爱尔兰修士到西欧各地建立起修道院，并大量抄写经书以供传教所用。为彰显神圣，美化经书，画在羊皮纸手写书稿上的手抄本插画应运而生。因当时人们识字水平低下，手插画便顺应时代需求，成为辅助人们理解、激发阅读兴趣的新型艺术，广受欢迎。 地毯页

12世纪下半叶至13世纪中叶，抄本绘画在英、法两国广为流传。著名抄本绘画遗例见于英国的《温彻斯特圣经》（1170―1175）、《温彻斯特大修道院诗篇》（12世纪末）等。《温彻斯特圣经》（the winchester bible）罗马式泥金装饰， x 开本，抄录了整部《武加大译本》，包括《新约》《旧约》两个版本的诗篇以及经外书，书中的装饰图案，因真金和来自阿富汗的天青石而闪耀夺目，魅力大增。这版圣经并非温彻斯特本地的风格，而是来自整个欧洲大陆的风格。其风格庄重，恰好与教堂神圣风格相匹配，所用羊皮纸质地精致，排版设计讲究，这些可以通过抄写员仔细刻下的用作书写的线略见一斑。《温彻斯特圣经》是12世纪诺曼底_的宗教象征，是英国最优秀的艺术作品之一，同时是世界上装饰最美的圣经版本。

细密画：趋于象征意味的“方寸”艺术

细密画（miniature）是中世纪的主要艺术之一，一般认为起源于欧洲的手抄本和小型木板蛋胶画，是一种精细刻画的小型绘画，画于羊皮纸、纸或书籍封面的象牙板或木板上。在帖木儿帝国（约1370―1507）时期达到鼎盛，18世纪后因欧洲殖民者入侵而几乎消亡。

绘制细密画使用的工具比较简单，由于其多为典籍或者圣经的抄本插图绘画，尺寸一般非常小，由此得名“方寸”艺术。由于工业技术上的限制，细密画颜料讲究，多采用矿物质，甚至以珍珠、蓝宝石磨粉作颜料。颜色并不复杂，但是被处理得和谐自然，质朴典雅，品位油然而生。形式上也不注重体积空间，大多是平涂技法。从整体风格来看，细密画融合了波斯工艺、日耳曼传统乃至中国宋元的工笔画风，极具艺术史学价值。

基督教通过罗马传教团的本笃会僧侣再度传入英国，传教士们为了传教布道把大量的书籍带到了英格兰，这些书籍的到来也对英国本土的书籍插图绘画a生了重要的影响。在风格样式上英国的圣经细密画继承了凯尔特-日耳曼的传统，主要用线条，其主要特征是多运用各种动物和植物相关的隐喻性图案，比如，以鸽子寓意圣灵，以老鹰象征约翰。画面大面积运用金色、蓝色、红色搭配，有些地方辅以暗褐色的细线勾勒，使得整个画面既和谐文雅，又质朴庄重。

1147年威德里卡斯修道院院长制作的《威德里卡斯福音书》（the gospel book of abbot wedricus）手抄圣经中有一幅插图《传福音者约翰》（ the evangelist），画面内容丰富，人物形象清晰，故事情节完整，着色细致和谐，可谓细密画的巅峰之作。8个圆盘单元由涡卷的莨菪（天仙子）叶饰串联，构成一个整体的边框；四角的四个圆盘描绘了圣约翰生平的故事，中部左侧圆盘里的鹰是约翰的象征；画面中间是坐在高大的宝座上的约翰，上方圆盘中上帝手中象征圣灵的鸽子为他带来写作的灵感，中间右侧圆盘则是修道院院长在为他提供墨水。这样的两个圆盘使边框与框内人物融为一体。宝座的座边是连续的圆形纹样；座下是两层不同形式的连环拱廊；座上还有厚厚的软垫。靠背的顶部呈半圆形，饰以缠绕的植物图案。从插图中人物衣服的褶皱和家具造型可以看出，这幅画明显受到拜占庭艺术的影响。 传福音者约翰（1147年）

尼德兰林堡兄弟（limbourg brothers）以制作细密画著称，其细密画《逐出乐园》（藏于尚蒂伊孔德博物馆，尺幅29cm× ）以其精密的建筑设计，生动的人物体态，成为再现伊甸园神话的艺术佳作。画面表现的是天、水之间围墙状的伊甸园。哥特式建筑是设计的一大亮点，包括中间的生命之泉和右边的门楼。画面从左到右以连环形式描绘了原罪的故事情节：夏娃受蛇诱惑偷食智慧果，之后将其递给亚当；上帝因此震怒，屈指管教、降罪；最后亚当、夏娃被逐出伊甸园。留意把守伊甸园出口的天使，其六翼在门内，脸部在门外。画家把伊甸园绘制成悬于空中的绝伦挂盘。仔细观察，我们发现圆形的封闭空间内，两座哥特式建筑彼此呼应，高耸入云，画家有意将人置于可见的醒目位置，这种安排似乎既不合比例，也不合乎构图的自然结构，这正说明画家重在突出人，突出人体，突出人的故事。整个画面人物比例匀称、体态优美、神情生动。因此，此画堪称15世纪初人体绘画的杰作。

多雷的铜版画：凸显立体感的“视觉”艺术

欧洲版画历史悠久、创作题材丰富、种类繁多，是具有强烈视觉效果和独特审美价值的一种艺术表现形式。1534年，德国宗教改革家、圣经翻译家马丁・路德翻译的德文圣经印刷出版，里面插有150幅精美的彩色木刻图。2003年，为了纪念“圣经年”（year of the bible）德国的taschen出版公司重印了马丁・ 路德1534年版的圣经，分《旧约》和《新约》两本。还原了马丁・路德的好友、著名画家、雕刻家卢卡斯（lucas cranach， 1472―1553）的彩色木版画插图。

古斯塔夫・多雷（gustave doré， 1832―1883），法国版画家、雕刻家，他的作品涵盖《圣经》、但丁《神曲》、弥尔顿《失乐园》等，所绘插图人物几乎成为文学作品角色的形象模板。1866年，多雷因为英文版圣经绘刻插图而名声大噪。实际上，多雷创作的240幅铜版插画最初印制于1865年的法语圣经，随后重印于各种德文版、英文版及其他版本的圣经。有的出版商甚至将多雷的圣经插画单独出版，取名《多雷圣经画册》（doré’s bible gallery）。多雷的圣经插图风格对20世纪的圣经电影的场景制作产生了很大影响，如美国导演格戴米尔（cecil b. demille）执导的《十诫》，不少场面与多雷的插图十分相似。多雷的作品多是黑白两色，以铜版画为主。整体而言，其作品充实饱满、层次分明、质感强烈，表现了理性与情感相互交融的绘画理念。具体来讲，有以下特点：首先，素描特征突出。在阴影之处发掘素描语言所展现的艺术趣味，摆脱画面的单调乏味，在简洁的素描关系中呈现出的是丰富多变的色调与旋律，加强了作品的阅读性和完整性。其次，善于把握画面中整体与局部的关系，点的组合与排列也相当有序，富有规律又不呆板，显得有条不紊。第三，对线条的运用特色独具，对线的使用不再简单划一，而有了更丰富的内在变化，和所绘内容相得益彰。第四，光感色彩到位，人物造型严谨，比例结构准确，且人物与背景自然融洽，立体感很强。正是这自然的色调使得画面富有美感，蕴含着复杂多变的视觉效果，将图像融入文字，使读者文字与图像的把玩中，获得全新审美体验。

安妮的简笔画：凝练简约的“写实”艺术

为了让圣经贴近大众，圣经翻译的功能从听写式记录上帝之言，转变为以读者接受为旨归的动态对等圣经翻译，即从形式对应的直译哲学转向功能对等的动态哲学，这使得新译本的语言表达趋于简单。与这种趋向“简单”的圣经翻译认识相配合，瑞士艺术家安妮（annie vallotton）为20世纪70年代制作的英文版《福音圣经》制作了500余幅简笔画。安妮坚持“用简约的笔触表达最丰富的内容，如表现约伯无辜受难时对上帝公义产生动摇与质问的画面，以简洁的笔触，写实的意境，表现约伯的痛苦与坚强、无奈与不屈：双膝跪地，但颈项挺直，表明绝不屈服于命运的安排；左臂撑地，承受重压，却透露出受挫中的坚强；右手抬起，向下捶地，宣泄内心的痛苦和愤懑；眉目紧缩，百般忧伤，但却凝神思考。约伯面对天降之祸的百般思考，全部浓缩于这方寸之间。 多雷的铜版画（19世纪后半叶）

安妮的插画常常简洁到令人拍案叫绝，《耶稣受难》就是其中的代表作。上方用两个直角勾勒出沉重的十字架；中间用两条曲线勾勒出耶稣倒悬的双臂，下方用一个圆形勾勒出耶稣头上的荆棘冠。观众虽然看不到耶稣的双手，也看不到耶稣的脸，但是完全能够通过十字架、双臂和荆棘冠“补上”画家未画出的“细节”：被钉在十字架上流血的双手、痛苦却坚毅的脸庞，甚至可以把遭受残酷折磨后耶稣的所有身体细节和面部细节完全填补入画。这就是简约的力量！

另一幅必须提及的插画是《呵静海浪》。《呵静海浪》展示了两个场面：风高浪急、小船几近倾覆（前景），耶稣呵斥海浪，一切顿然转为平静（后景）。画家用重叠的波浪形曲线来描绘激怒的海浪，具有动态效果；船中耶稣及其十二门徒的身影也进行了适度再现，但只是点到为止。在后景中，平静的海面映照着岸边的远山和小船的桅帆和船里的人；船中的人影分为两组：稳稳站立的耶稣张开双臂在讲天国的信息，而十二门徒安静地坐着，洗耳恭听。这幅插图兼容了粗犷和细腻两种风格，既有“大风大浪”的场面感，又有“海上泛舟”的剪影感，令人叹为观止！“场面感”最强烈的要算这幅数千人集聚岸边聆安坐于小船上的耶稣讲道的《海滨布道》插图。听众由远及近；或站立，或端坐，或下跪，或俯卧，或仰卧，形态各异。船中的耶稣伸出右手，指向岸边的人群。小船与海岸间，涟漪层层叠叠，将船上布道的耶稣与岸上的听众连接起来，“人山人海”的宏大场面跃然纸上。 安妮《呵静海浪》（20世纪70年代）

马佐里插画：“违背”常规的表现主义艺术

擅长表现主义画风的意大利画家马佐里（dino mazzoli， 1935― ），从2004年到2014年，马佐里手抄了1500多页基督教圣经，创作插图多达5000余幅，形式包括水彩画、拼贴画、蜡笔画。2015年5月《马佐里手抄手绘圣经》（the holy bible - handwritten and illustrated by dino mazzoli）发行了电子版。马佐里的圣经插图带有_的印象主义和野兽派创始人马蒂斯的影子：狂野的色彩和强烈的视觉冲击，常给人不合常理的感觉。

马佐里为圣经每卷书做了介绍，并配有表达主题的插画。《士师记》插画，马佐里用粗犷和夸张的笔调来表现健硕、勇猛、敢于担当的士师，粗大的利剑和厚实的盾牌颇有“磨刀霍霍向敌人”的气概。

“论古列说：‘他是我的牧人，必成就我所喜悦的。”出自《以赛亚书》第44章第28节。马佐里的据此而做的插图笔触猛烈粗重，人脸不全是人脸背景也不单纯是背景，颜料似乎是随便抹上去的。这明显与抽象表现主义灵魂人物威廉・库宁（willem de kooning 1904―1997）的风格相似，只不过，马佐里还比不上库宁那么“混乱”。 安妮《海滨布道》（20世纪70年代）

“我与父原为一”出自《约翰福音》第10章30节，意思是作为“神之子”的耶稣与“圣父”上帝因目标相同而合为一体了。马佐里以此为灵感创作了这幅上帝和耶稣“合二为一”的画。这怪异奇妙的两张脸很明显是在模仿_。